Apps y gadgets en el aula de música

Apps y gadgets en el aula de música

Hoy en día hay multitud de herramientas a nuestro alcance que nos permiten potenciar al máximo las habilidades en nuestros alumnos.

Tenemos a nuestro alcance multitud de dispositivos electrónicos y tecnológicos, que muchas veces por desconocimiento o por falta de iniciativa no usamos, y que harían de nuestras sesiones verdaderas master clases que quedarían grabadas en la memoria de nuestros alumnos como experiencias inolvidables.

Hoy quiero mostrar algunas de las herramientas digitales y dispositivos electrónicos que podemos utilizar en nuestra clase de música.

DROPMIX- De Hasbro

Este juego creado en 2017 por la marca Hasbro, en colaboración con la productora Harmonix (responsable de los videojuegos Guitar Hero y Rock Band entre otros) parte de la base del “drop” (término utilizado en música electrónica que hace referencia a las paradas que hay, antes de que la música sea retomada con mayor intensidad).

El juego es muy sencillo, teniendo una base con códigos de colores en los que cada jugador tendrá que ir colocando sus cartas siguiendo los códigos de colores para ir consiguiendo puntos y crear así una canción entre todos los jugadores.

Para ello hay que descargar la app en un dispositivo móvil o tablet y colocarlo en la base, de tal manera que a medida que se coloquen las cartas, irán añadiendo loops y sonidos y componiendo su canción. Además si el resultado es satisfactorio se puede grabar la canción en el dispositivo y tener así una base de composiciones musicales de nuestros alumnos.

GROOVE PAD MUSIC – GPM

Hay multitud de apps de este estilo que se pueden descargar, a mi personalmente esta es la que más me gusta.

Groovepad es una app de composición de canciones conocidas que permitirán a nuestros alumnos improvisar sobre bases musicales que ya tienen interiorizadas. De esta manera además de trabajar el ritmo y la escucha musical activa, trabajaremos la versión, la variación y la improvisación al tiempo que se sivierten.

Hay una base muy extensa de canciones que descargas, y la propia aplicación te divide en diferentes grupos de loops. FX, Drums, Bass, Shiynth, Instruments, Voices… así también podremos trabajar la discriminación auditiva de manera muy sencilla y visual.

El juego consiste en ir introduciendo loops de diferentes secciones para generar las canciones y que vayan cogiendo forma. Se puede instalar tanto en móviles como en tablets, y además te da la opción de grabar la composición y descargarla o compartirla.

DRUM PAD MACHINE – DPM

Otra de mis apps favoritas. En este caso nos encontramos con una cuadrícula con botones de colores, y cada uno interpreta un sonido. La app intenta representar los sonidos que podemos generar con un sintetizador.

Hay varias modalidades de juego, desde la forma libre de composición, en la que vas experimentando y tocando libremente para componer con el paquete de sonidos que tienes, y por otro lado la modalidad “juego” en la que tendrás que seguir las lecciones de un tutorial en el que te enseñarán a crear una canción compleja con los sonidos que proporciona ese pack.

Hay multitud de packs descargables para jugar, de estolis musicales diferente, desde música electrónica, pop, reagge… así como géneros (podemos encontrar hasta un paquete de villancicos electrónicos).

En este caso la app también te permite grabar tus composiciones.

Trabajando la atención en el aula de música

Trabajando la atención en el aula de música

La memoria auditiva y musical es algo que trabajo en el 90%  de mis sesiones de música.  Considero que es fundamental trabajar el oído, la atención y la escucha a la vez que la memoria y la asignatura de música nos da muchísimos recursos para poder fomentarla.

Las actividades que realizo son varias, pero hay una que hago todos los días y les encanta.

¿Cómo sigue la canción?

Nada más entrar, una manera de comenzar la asignatura con concentración, que se sienten y no se pierda demasiado tiempo en comenzar, y a la vez trabajar la memoria, la escucha y la atención, es un ejercicio que trabaja mucho el método de piano Yamaha. 

Aprendemos una canción sencilla, con notas musicales. A través de los ecos rítmico-melódicos, canto una frase mientras me acompaño con el piano, y la clase repite lo que canto. Esto me ocupa los 5 primeros minutos de la clase. Voy subiendo el grado de dificultad aumentando las frases que canto seguidas y que deben repetir. Una vez interiorizada la canción (esto suele durar 2 o 3 sesiones), voy subiendo la dificultad, de tal manera que a la hora de cantar yo las notas, omito algunas. Así los y las alumnas cuando repiten lo que yo canto, han de cantar todas las notas, incluyendo las que yo he omitido, y hacerlo correctamente.

Llega un momento (5 o 6 sesiones) en que ya no es necesario cantar ninguna nota, sino que me limito a tocar el acompañamiento de piano y ellos cantan todas las notas, hasta que finalmente cantan la canción entera.

Voy subiendo el nivel de dificultad de las canciones, introduciendo así compases ternarios, intervalos de segunda, tercera, cuarta, quinta…matices de intensidad, dinámica y agógica.

Concurso de dictados:

Los dictados son ejercicios que ejercitan la memoria de manera exponencial, y para hacerlos más atractivos, qué mejor manera que hacer un concurso. 

En clase de música trabajamos los dictados desde infantil, comenzando con dictados sencillos para discriminar sonidos de animales, de la naturaleza o de la calle. Os comparto los que presento en Infantil 3 años. Se pueden pegar gomets, cada vez de un color diferente,  o colorear el círculo del que suena.

Según suben de curso los dictados se van haciendo más complejos, introduciendo dictados de intensidades, de duración, dictados rítmicos, melódicos, de intervalos, de acordes (mayores y menores)…

En Primaria cada acierto suma puntos, de tal manera que hay un ranking de puntuaciones en dictados a nivel individual, equipo y clase. Es una manera de que estén motivado, a la vez que me sirve para evaluar la escucha y ver su evolución.

Música, tradición y multiculturalidad.

Música, tradición y multiculturalidad.

Cuando preguntamos en clase a nuestros alumnos y alumnas por la música que les gusta, o que suelen escuchar en casa, las respuestas que recibimos suelen ser acordes al panorama musical actual que estamos viviendo, o como mucho nos podemos remontar a la música que escuchaban sus padres. Es inusual encontrar variedad de estilos o géneros musicales más allá del pop, rock, hip hop, rap… en definitiva música occidental o latina con géneros actuales.

El desconocimiento musical, en ocasiones provoca un rechazo a la hora de descubrir otras músicas, y por ende, otras culturas, otras danzas, otras comidas y otras tradiciones. Es importante que desde el aula de música abramos el abanico y dotemos a nuestros alumnos y alumnas del espíritu aventurero y que reciban un nuevo estilo con mente abierta y dispuestos a disfrutar de él. 

Para ello es vital elegir bien las canciones que les vamos a presentar, y una vez elegidas, generar actividades atractivas para ellos. Además podemos utilizarlas para introducir elementos musicales o practicar ritmos, melodías u otros contenidos del currículo.

Nueva Zelanda y el Haka.

Un ejemplo de músicas y danzas que suele darme muy buen resultado en clase es el Haka, un ritual ancestral Maorí que se utilizaba antiguamente entre tribus tanto para para desafiarse en la guerra, como para hacer la paz entre grupos. Se remonta aproximadamente al S XIII, en el que pueblos de la Polinesia se establecieron en Nueva Zelanda. 

Según la mitología Maorí, el Dios del Sol, Tama-nui-to-ra, tenía dos mujeres, Hine-raumati, la Dama del Verano y Hine takurua, la Dama del Invierno. El hijo fruto de la relación con la Dama del Verano fue Tane-rore, a quien se le atribuye el origen de esta danza. Tane-rore, representa el temblor provocado por el viento cálido de los días de verano. En el baile, esto se simboliza mediante el movimiento tembloroso de las manos. 

Hoy en día, en Nueva Zelanda se sigue realizando esta danza no solo por hombres, sino también por mujeres, y además de usarse para intimidar a sus oponentes antes de las batallas, actualmente se ha extendido a otros usos como celebraciones, bodas, jubilaciones… como signo de hospitalidad así como de respeto hacia las personas a quien se la dedican. 

El Haka Ka Mate tiene su propia historia. Fue compuesto alrededor de 1820 por Te Rauparaha, jefe de la tribu Ngāti Toa. En tiempos de guerra,  mientras era perseguido por otra tribu rival, fue escondido por Te Wharerangi, de la tribu Ngāti Tuwharetoa, en un hoyo de un campo de “Kumara” (batata), con la esposa del que le ayudó a escapar sentada encima a modo de protección. El haka Ka Mate es el relato de esta hazaña narrado por el superviviente.

A continuación os dejo un vídeo del Haka Ka Mate original:

El Haka en el deporte

La más conocida es el Haka Ka Mate. Ésta danza se popularizó gracias al equipo de la selección de rugby de Nueva Zelanda, los All Blacks, que la realizan antes de cada partido para intimidar a sus rivales, y a raíz de su éxito se extendió a muchas otras disciplinas deportivas neozelandesas. Además desde el año 2005 tienen su propio Haka, llamado Haka Kapa O Panga, compuesto por Derek Lardelli, del clan maorí de los Ngati Porou.

Ka mate! Ka mate! Ka ora! Ka ora!
Ka mate! Ka mate! Ka ora! Ka ora!
Tenei te tangata puhuruhuru
Nana i tiki mai
Whakawhiti te ra
A upane! ka upane!
A upane kaupane whiti te ra!
Hi!!!

Muero! Muero! Vivo! vivo!
Muero! Muero! Vivo! vivo!
Este es el hombre peludo*
Que trajo el sol
Y lo hizo brillar de nuevo
Un paso hacia arriba!
Otro paso hacia arriba!
Un paso hacia arriba, otro…
el Sol brilla!

*En Maorí se cree que el hombre peludo es Te Raupahara.

El Haka en el aula

Una buena manera de crear vínculos entre nuestros alumnos, es pedirles que entre todos y todas inventen su propio Haka, para poder usarlo antes de un evento deportivo, en cualquier celebración escolar, o para dar la bienvenida o despedirse de algún compañero o compañera. 

También sirve para trabajar el ritmo, la danza y la psicomotricidad, pudiendo hacer  una versión solo con el cuerpo, y otra más compleja añadiendo picas o palos a modo de lanzas, o incluso utilizando baquetas de batería para crear ritmos con ellas.

ALGUNOS CONSEJOS:

En todos los hakas hay un líder que dirige al grupo y le recuerda cómo comportarse durante la danza. Un líder ha de tener una voz fuerte y feroz, y hablar de manera clara y enérgica. Para comenzar podemos ser nosotros, pero podemos dar la responsabilidad a algún alumno o alumna por consenso, incluso rotar cada trimestre o cada semana, decidiendo quién se lo ha ganado y eligiendo entre todos los méritos que ha de conseguir esa persona para ganarse el ser líder del haka.

Es importante hacer una formación clara, por filas, teniendo claro donde va cada miembro, y dejando espacio suficiente para poder mover los brazos.

Realiza el Haka de una forma respetuosa: el Haka es una danza muy preciada por la cultura maorí, casi sagrada, por lo que es imprescindible realizarla solo cuando realmente sea apropiado y haya un ambiente de respeto.  No hagas burla del Haka haciendo movimientos demasiado exagerados respetando así su cultura y significado.

 CANTO DE CALENTAMIENTO:

Antes de comenzar el haka, el líder del grupo ha de gritar las palabras del canto de calentamiento. Éste canto sirve para preparar al grupo y que se posicione, además de para alertar al grupo contrario o a la persona afectada de que el haka va a empezar.

  • Ringa pakia! (“¡Golpear los muslos con las manos!”)
  • Uma tiraha! (“¡Inflar el pecho!”)
  • Turi whatia! (“¡Flexionar las rodillas!”)
  • Hope whai ake! (“¡Mover la cadera!”)
  • Waewae takahia kia kino! (“¡Golpear el suelo con los pies lo más fuerte que puedas!”)

*Si quieres aprender los movimientos de los Hakas “Ka Mate” o “Kapa O Pango” te recomiendo que vayas a esta web

COOPERATIVÍZATE: UNA PRIMERA APROXIMACIÓN AL APRENDIZAJE COOPERATIVO (PARTE 1)

COOPERATIVÍZATE: UNA PRIMERA APROXIMACIÓN AL APRENDIZAJE COOPERATIVO (PARTE 1)

COOPERATIVÍZATE: UNA PRIMERA APROXIMACIÓN AL APRENDIZAJE COOPERATIVO (PARTE 1)

Cada vez más deberíamos apostar en las aulas por la innovación, la tecnología, la calidad educativa y la aplicación de nuevas metodologías que sitúen al alumno como protagonista de su aprendizaje. Una de las más importantes es el aprendizaje cooperativo.

Es por esto por lo que te pido que te COOPERATIVICES, que abras tu mente y tu corazón a una metodología innovadora y muy creativa. Hablamos del trabajo de los alumnos en el aula en pequeños grupos. Muchas son las dudas que surgen respecto a esta corriente educativa, como ferviente seguidora y conocedora del aprendizaje cooperativo, intentaré resolverlas.

¿Qué tiene de especial?

Lo que se denomina interdependencia positiva, que significa que solo se alcanzarán las metas personales, si también las superan todos y cada uno de los miembros del equipo. Con ello se logra un aprendizaje más eficaz tanto a nivel académico como social. 

¿En qué etapa se puede aplicar el aprendizaje cooperativo?

Su característica fundamental es la FLEXIBILIDAD, puesto que se puede llevar a cabo en todas las etapas educativas, en cualquier materia y con todos los estudiantes.

¿Quiénes son los padres del aprendizaje cooperativo?

Sin duda los padres de esta metodología son David W. Johnson y Roger T. Johnson. Dos hermanos estadounidenses que hacen hincapié en la importancia del papel activo de los estudiantes en su propio aprendizaje. También destacan cinco elementos esenciales necesarios para lograr que los alumnos realmente trabajen en cooperativo:

  1. La interdependencia positiva (cada miembro del grupo debe cooperar con el resto porque su esfuerzo le beneficia a él mismo y a los demás).
  2. La responsabilidad individual y grupal (para alcanzar los objetivos, cada miembro del grupo deberá cumplir con la tarea que le corresponda).
  3. La interacción estimuladora o personal (todos los miembros del grupo trabajarán juntos, ayudándose y apoyándose).
  4. Técnicas interpersonales y de equipo (comunicación entre los miembros del equipo, toma de decisiones y gestión de conflictos).
  5. La evaluación grupal (análisis de cómo se está trabajando para logran una mayor eficacia).

Junto a ellos otros nombres indispensables: Elliot Aronson, Spencer Kagan o Robert Slavin.

En cuanto al primero, seguro que te suena el Puzzle de Aronson

Muy eficaz para obtener actitudes positivas hacia el colegio, el temario y los compañeros, consiguiendo una auténtica solidaridad entre el alumnado.

¿Cómo se lleva a cabo? Se divide el grupo-clase en equipos de trabajo, responsabilizando a cada miembro del equipo de una parte diferente de la tarea a realizar, de la que llegará a convertirse en un “experto”. Los estudiantes de los diferentes equipos que tienen asignada la misma parte del tema se juntan para discutirlo en grupos de especialistas. Después, regresan a sus equipos originarios para enseñar a sus compañeros aquello que han aprendido. La realización de la totalidad del trabajo está condicionada por la cooperación y la responsabilidad recíprocas entre el alumnado.

Kagan es un autor al que no vas a olvidar, para mí es “el de los PIES“. Reconoce cuatro principios básicos sobre los que se deben organizar las actividades para llevar a cabo el trabajo cooperativo, estos principios (PIES) son:

Interdependencia positiva (Positive interdependence): si uno gana, también gana el otro.

Responsabilidad individual (Individual accountability): es necesario el trabajo individual para llevar a cabo una tarea en grupo.

Igualdad de participación (Equal participation): será necesario aplicar técnicas para estructurar la tarea.

Interacción simultánea (Simultaneous interaction): igualdad de participación.

Por último, tenemos a Robert Slavin, que clasifica los métodos de aprendizaje cooperativo de acuerdo a seis características: objetivos grupales, responsabilidad individual, iguales posibilades de éxito, competencias de equipos, especialización en la tarea y adaptación a las necesidades individuales. En estos métodos de aprendizaje cooperativo reconce tres conceptos centrales: 

  • Las recompensas de equipo (adaptadas a la edad y situación).
  • La responsabilidad individual (el éxito del grupo depende del esfuerzo de todos los miembros).
  • La existencia de iguales posibilidades de éxito (todos los integrantes del grupo tendrán la posibilidad de conseguir el éxito, mejorando resultados anteriores).

Para este autor, los beneficios del aprendizaje cooperativo son múltiples: los niños van a desarrollar actitudes positivas hacia el aprendizaje, se verán favorecidas sus relaciones sociales, aumentará su motivación y autoestima, aprenderán a desarrollar habilidades para resolver conflictos, se promueve el respeto, opinando, escuchando y desarrollando mayor tolerancia hacia los demás.

Todavía no estás al 100% seguro/a de querer o poder COOPERATIVIZARTE, no te preocupes, sigue leyendo…

¿Es una moda más o una metodología consolidada?

Hay algunos autores, como Ferreiro y Calderón (2001) que se remontan a la prehistoria, donde los hombres primitivos cooperaban a la hora de cazar o recolectar, realizando actividades en grupo. La propia Biblia hace referencia a la cooperación y ayuda al prójimo. También en uno de los libros sagrados de los hebreos, el Talmud, aparece la idea de aprender los unos de los otros. Para poder entender el texto, tenían que contar con la ayuda de un compañero.

Brown y Atkins (1988) señalan a Sócrates, que utilizó la metodología cooperativa cuando enseñaba a sus alumnos en grupos pequeños. Por su parte, Johnson, Johnson y Smith (1997) sitúan el origen del aprendizaje cooperativo en el siglo I d.C., momento en el que aparecen grandes filósofos y pedagogos como Quintiliano, que destaca por su interés en el juego como recurso educativo, por tratar de dar importancia a la distribución de los alumnos en la clase y por pensar que los estudiantes más aventajados podían ayudar y enseñar a los que más lo necesitan. También apuntan a Séneca, que enfatiza el valor de enseñar para aprender, puesto que enseñando también se aprende.

Debo mencionar  a Jan Amos Komensky (1592-1670), conocido como Comenio, por ser el primero en proponer una verdadera revolución pedagógica y una transformación educativa universal, planteando una búsqueda de metodologías didácticas activas para lograr un aprendizaje significativo. Estas metodologías alternativas proponían pasar de la enseñanza individualizada a  la enseñanza cooperativa en grupos. 

Se habla también de aprendizaje cooperativo en la Inglaterra de finales del siglo XVIII, Joseph Lancaster y Andrew Bell utilizaron el cooperativo en sus proyectos pedagógicos. Y de Inglaterra nos trasladamos a la ciudad de Nueva York, donde Francis Parker abre la Escuela Lancasteriana en el siglo XIX, aplicando el método cooperativo y difundiendo este aprendizaje en la cultura americana.

Pero es en el siglo XX cuando los métodos cooperativos cobran importancia, aplicando las técnicas de este aprendizaje en el ámbito escolar de EEUU y Canadá, para posteriormente extenderse a Israel, Holanda, Noruega, Inglaterra, Italia, Suecia y España.

Tras este exhaustivo repaso de la historia del aprendizaje cooperativo, se puede afirmar que no es algo nuevo, no es una experiencia innovadora reciente, tiene una larga trayectoria en el mundo educativo. Pero lo que sí es bastante novedoso es la demostración de su eficacia a través de investigaciones experimentales, situándolo por encima de otros métodos de aprendizaje.

CONTINUARÁ…MIENTRAS TANTO: ¡COOPERATIVÍZATE!

EDUCACIÓN MUSICAL Y AUTISMO

EDUCACIÓN MUSICAL Y AUTISMO

Trabajar la música desde el aula ha sido y será un verdadero reto en la educación formal de hoy día. En ello influyen varios factores:

  • cada vez vemos menos a nuestro alumnado (algunos centros imparten música una vez cada 15 días, otros un módulo de 45 minutos a la semana)
  • ratio elevada (llegando a tener hasta 29 alumnos y alumnas por clase en algunos casos)
  • no disponer de recursos para poder impartir la asignatura (no tener instrumentos, aula específica o reproductor…).

A esto hay que sumarle las necesidades individuales que presenta cada uno de nuestros alumnos/as, con independencia de ser ACNEE o no.

Está demostrado que la educación musical tiene múltiples beneficios en nuestros alumnos y alumnas ya que la música surge como un impulso comunicativo, como una necesidad de expresarse por otro medio. Pero ¿cómo podemos trabajar con alumnado TEA en nuestras clases?

La experiencia me ha ido dando algunas herramientas que detallo a continuación:

Instrumento:

La flauta, personalmente, no es de los instrumentos que estén entre mis top 10 para trabajar en el aula. Aunque es cierto que si queremos tratar aspectos concretos como el soplo, si se quita el cuerpo y nos quedamos solo con la boquilla (para ello las flautas han de ser desmontables), en las primeras clases de instrumento puede venir bien. Podemos hacer ecos rítmicos, juegos, danzas etc que nos ayudarán a mejorar la respiración, controlar el diafragma y prepararnos para el canto.

Los que más me gustan son el piano o los instrumentos de láminas. Dado que tener un piano en clase y en casa del alumno en cuestión es algo a menudo complicado, los instrumentos de láminas son la mejor opción. Un carillón con las láminas de colores o las metalonotas (ambos vienen en formato “maletín” y con baquetas) es algo transportable que se puede llevar y traer a casa y que debido a que es un instrumento de percusión. Además tiene un código de colores asociado a las notas musicales nos puede dar muchísimo juego a la hora de trabajar tanto el ritmo como la melodía.

Danza:

Al ser un medio de expresión y comunicación, esta disciplina nos va a ayudar mucho a dar sentido a sus sonidos y movimientos repetitivos, y encuadrarlos dentro de un contexto socializador creando así una conexión con el entorno.

Hay muchísimo material que adaptado a la edad de nuestro alumnado puede resultar exitoso. Por mi parte recomiendo el libro “La audición musical en la Educación Infantil: propuestas didácticas” de Malagarriga Rovira, Teresa; Valls Casanovas, Assumpta. Es un libro con CD que aunque sea para educación infantil, trae propuestas muy interesantes y adaptables a cualquier edad.

Percusión rítmica y corporal:

Trabajar la percusión con alumnos TEA en clase nos resulta de lo más complicado, ya que teniendo otros veintitantos que quieren tocar su instrumento y quieren hacerlo YA, dedicarle el tiempo necesario a familiarizarse con el instrumento e ir adquiriendo rutinas, patrones … es prácticamente imposible.

Aquí entra mi favorito por excelencia: los Boonwhackers. Si no los conocéis, son unos tubos de plástico que según la largura, al golpearlos contra el suelo o contra tu cuerpo suena una nota musical. Lo mejor es que respetan el código de colores por lo que para trabajar las notas musicales y reforzarlas si nuestro alumno o alumna en cuestión está usando el carillón o las metalonotas nos viene de maravilla.

Con ellos se pueden hacer infinidad de ejercicios, tanto a nivel individual, en pequeños grupos o en gran grupo. Y no solo nos sirve para hacer creaciones musicales, sino que también se pueden usar para explicar teoría de una forma práctica y muy visual (escalas, intervalos, acordes…)

He de admitir que trabajar con alumnos de inclusión (y no inclusión) en el aula de música requiere en cualquier caso muchísimo cariño, dedicación, imaginación y creatividad. Pero si ese cóctel está en marcha es de lo más gratificante ya que no solo ves los avances a nivel individual o grupal, sino que tú como docente y como persona aprendes muchísimo de la experiencia.

EL PAPEL DE LA MUJER EN LA HISTORIA MUSICAL.  ​

EL PAPEL DE LA MUJER EN LA HISTORIA MUSICAL. ​

Si fijamos la mirada en la historia de la música desde sus inicios, el papel de la mujer ha sido completamente escaso o desconocido. Cuando pensamos en grandes compositores de música clásica (y no tan clásica), se nos llena la boca de Mozart, Chopin, Schubert, Beethoven, John Williams, Hans Zimmer o Ennio Morricone pero…  ¿Y alguna mujer? ¿Recordamos el nombre de alguna mujer cuyas obras hayan llegado a ser igual de conocidas? ¿A qué es debido?

En cine, en todo lo que es la industria del cine, las mujeres que componen para películas son apenas entre un 2 y 3%, es decir, de cada 100 compositores, solo 2 o 3 son mujeres. Actualmente en los Estados Unidos, de las veinte orquestas clásicas más reconocidas, sólo una es dirigida por una mujer.

Pero si nos paramos a buscar por las redes, encontramos artículos de algunas ONGs intentando ensalzar el papel de la mujer a lo largo de la historia, y poco más.

Hablemos pues de grandes pero desconocidas compositoras:

Verónica Sabbag, diplomática de la Unión Europea y fundadora de la ONG “United Voices 4 Peace”, que se traduce como voces unidas por la paz en una entrevista para “Noticias ONU” dice: “Nosotras hemos estado informándonos y, por ejemplo, la hermana de Mozart era una música estupenda, lo que pasa es que no tuvo la oportunidad de vivir de, ni de concentrarse en eso. Cuando tenía que marcharse para las giras, pues no la dejaban. Su padre no la dejaba. Entonces, las oportunidades han sido muy diferentes”.

Hildegard von Bingen (1098-1179), monja alemana de la edad media, convertida en abadesa de su monasterio, que al ser la primera y única mujer autorizada por su iglesia para predicar, escribió obras musicales completas para su convento, que compartió en numerosas giras religiosas y templos. Su aportación a la música sacra de la edad media es notable.

Rafaella y Vittoria Aleotti: fueron dos hermanas que vivieron durante la Italia de la Contrarreforma. Raffaella (1570-1656) t Vittoria (1573-1620) se benficiaron de la influencia de su padre arquitecto para crear una pequeña orquesta en Ferrara. El prestigio de la agrupación fue tan grande que acabó actuando ante reyes y el mismísimo Papa Clemente VII.

Francesca Caccini (1587-1641), quien habría sido la primera mujer italiana en escribir una ópera que fuera interpretada exitosamente, y aun así se asumió que sus composiciones eran de su padre; y muchas otras, han quedado en el olvido, y poco a poco han sido “desenterradas” por historiadores, investigadores y músicos a través de los años.

Barbara Strozzi: ser la hija ilegítima de un noble italiano en el s. XVII era garantía de una vida totalmente en el anonimato. No fue el caso de Barbara Strozzi (1619-1677), a quien cuyo propio padre animaría a perseverar en el mundo de la música. Intérprete y compositora, Strozzi llegó a ver publicadas recopilaciones de sus obras. 

Elizabeth Claude Jaquet de la Guerre: todos sabemos que la Corte de Luis XIV fue un foco cultural de primer orden a finales del s. XVII pero pocos saben que este selecto grupo también contaba con presencia femenina. Elizabeth de la Guerre (1667–1729) sobresalió con el clavicémbalo y se convirtió en la autora de la primera recopilación de cantatas en francés de la historia.

Marianne von Martínez: el apellido nos pone sobre aviso respecto al origen español de esta prolífica compositora del Clasicismo. Alumna aventajada de Haydn, Marianne von Martínez (1744-1812) dejó al menos dos centenares de composiciones originales. Una anecdótica rivalidad con una escritora la sumió en el anonimato tras su muerte, ya que la segunda desprestigió su obra.

Paulina Duchambge: formada en París, Paulina Duchambge (1778-1858) ha entrado en la historia de la música por el original instrumento que percutió con gran virtuosismo, la guitarra. De hecho, en el único retrato que se conserva de ella  aparece tocando este instrumento. Se sabe que también fue profesora y que compuso con desigual fortuna.

Clara Schumman (1819-1896), una de las compositoras alemanas más famosas de la era romántica, desconocía a sus predecesoras, y alguna vez escribió: “Una mujer no debe desear componer, nadie lo ha logrado, ¿por qué yo debería poder?”. La compositora y pianista se hizo famosa en gran parte gracias al apoyo de su esposo, Robert Schumman, también músico y que apostó por su talento, algo que era especialmente fundamental en aquella época.

Pauline Viardot-García: abrió la veda de las grandes intérpretes vocales femeninas como mezzo-soprano. Pauline Viardot-García (1821-1910) participó en distintas representaciones operísticas de gran éxito y se atrevió con el género de las canciones populares, dejándonos varias piezas de este signo.

Maria Callas: quizá, la mejor soprano de todos los tiempos. De origen griego y nacionalidad estadounidense, Maria Callas (1923-1977) deslumbró al mundo como una de las grandes voces que ha dejado la historia de la música.

Además de todas estas mujeres podríamos hablar de Monserrat Caballé, Ana Magdalena Bach o grandes artistas actuales que luchan día a día por ser grande compositoras, cantantes, instrumentistas, directoras…

Estos son solo algunos ejemplos de las numerosas mujeres que han intentado abrirse paso en este mundo, en el que a día de hoy el papel de la mujer sigue siendo minoritario y poco visible pero que cada día va cambiando más  y más.

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